Dramatiser une image

Nous allons découvrir comment donner un aspect dramatique à une photo…
Comme d'habitude nous utiliserons Photoshop.




Dans un premier temps une opération simple que je recommande pour TOUTES vos photos, réglez le niveau
de l' histogramme!!!
Image>Réglages>Niveaux

Dans l'absolue l'histogramme devrait occuper toute la largeur de la fenêtre, ce qui équivaut à une image parfaitement exposé, ce n'est pas toujours le cas…
Nous allons donc y remédier.

Déplacer le curseur gauche vers la droite jusqu'au premier trait de l'histogramme
Déplacer le curseur droit vers la gauche jusqu'au premier trait de l'histogramme
Nous avons maintenant resserré les informations reçues par votre capteur et votre image prend tout de suite une autre dimension!
Ce vilain voile grisâtre a disparu, l'image a gagné en clarté et en contraste, ça vous a pris 20 secondes et un sourire de satisfaction est apparu sur votre visage…
Pensez à le faire sur chacune de vos images, vous serez surpris du résultat.

Bon revenons à notre dramatisation.

Etape 1: Mélangeur de couches.
Commençons par créer un nouveau calque de réglage/mélangeur de couche
Menu>Calque>nouveau calque de réglage>mélangeur de couche
Cochez la case "Monochrome" et ajustez vos réglages comme ci-dessous :
Rouge + 54%
Vert + 54%
Bleu + 32%
Appliquez
Dans la palette outil calque passez du mode normal au mode produit, votre image reprend des couleurs.

Etape 2: Réglages Tons foncés/Tons clairs.
Cliquez sur le calque arrière plan pour le sélectionner et dirigez vous sur le menu de photoshop pour sélectionner les réglages Tons foncés/Tons clairs.
Menu>Image>Réglages>Tons foncés/Tons clairs.
Cochez la case "Afficher plus d'options" et changer uniquement le rayon sur 144 px

Etape 3: Le vignettage
Votre photo a déjà pris un autre visage, nous allons accentuer cet effet
Menu>Filtre>Déformation>Correction de l'objectif
Dans le réglage "Vignette" ajustez
Quantité: - 80
Milieu: + 25
N'hésitez pas à modifier ces paramètres selon l'image utilisée et le résultat souhaité...


Etape 4: Accentuer les détails.
Menu>Filtre>renforcement>accentuation
Entrez les paramètres suivants, selon la taille de votre photo le gain peut être plus ou moins important...
Gain: 500%
Rayon: 0,2 pixels
Seuil: 0 niveau

Etape 5: Aplatissez l'image
Menu>Calque>Aplatir l'image
Enregistrez sous, histoire de conserver votre photo originale et ainsi pouvoir comparer...

L'image que j'ai choisi n'est pas forcement le meilleur cas de figure et vous obtiendrez des résultats encore plus probants avec une photo de départ plus "sombre"dans son esprit…

Amusez-vous bien !
Philippe Sainte-Laudy

Technique numérique – Effet Orton

Il ya de nombreuses façons de simuler un « sandwich » Orton.

Vous pouvez essayer la manière décrite ci-dessous :

Voici, étape par étape la recette pour faire des images Orton dans Photoshop:

Ouvrez n'importe quelle image pour essayer la technique suivante.

Dupliquez la photo (Image> Dupliquer) enregister sous…. Fermez l'image originale.

Il s’agit maintenant de surexposer cette deuxième image, pour cela nous allons ouvrir les niveaux (Image>Réglages>Niveaux) et déplacer le curseur central de 1,00 aux alentours de 2,00 (à affiner suivant la densité des images)

Allez ensuite dans les filtres, choisissez Filtres>Atténuation>Flou gaussien et appliquez un rayon entre 15 et 50 pixels.

Enregistrez cette image et ouvrez maintenant l’originale. Vos 2 documents sont ouverts.

Copiez l’image « floue » et collez la sur l’originale.

Dans la palette calque, changez l’opacité de Normal à Produit (Lumière Tamisée est intéressant aussi suivant la photo…)

Aplatissez maintenant l’image (Calque>Aplatir l’image)

Vous pouvez continuer à améliorer cette image en réglant à nouveau les courbes et le contraste.

Vous venez de faire votre première image Orton - si vous aimez votre nouveau chef-d'œuvre enregistrer le fichier!

A bientôt pour de nouvelles aventures!

Philippe Sainte-Laudy

Trucs & Astuces

Introduction

La ligne est mince entre une photo qui est plutôt sympa et une photo qui est à couper le souffle.



Vous voulez améliorer vos photos de paysage?
Vous voulez monter d'un cran dans la photographie de nature?
Si vous avez répondu oui à l'une de ces questions, vous trouverez cet article utile.

Nous allons examiner quelques lignes directrices de base sur la façon d'atteindre un niveau plus professionnel et ainsi obtenir les résultats que vous désirez.

1. La profondeur de champ.
La profondeur de champ est la zone de netteté entre le premier plan et l'arrière-plan. Elle désigne la zone de netteté autour de la distance de mise au point, et n'est pas répartie identiquement en avant et en arrière de cette valeur.
C'est un élément important, un sujet complexe qu'il faut connaître et maîtriser pleinement. J'ai pu constater que beaucoup de photographes n'y prêtent que peu d'attention.
La bonne nouvelle est que, même avec une notion de base, vous allez pouvoir améliorer vos images.

La profondeur de champ est fonction de quatre paramètres :

* l'ouverture du diaphragme
* la longueur focale de l'objectif
* la distance de mise au point
* le cercle de confusion de l'objectif

Plus le diaphragme est fermé, plus la profondeur de champ est importante. A l'inverse, plus le diaphragme est ouvert, plus la profondeur de champ est réduite et dans ce cas la mise au point doit être particulièrement soignée.
A diaphragme égal, un objectif grand angle a une profondeur de champ plus importante qu'un objectif de plus longue focale.

Enfin, plus le sujet est éloigné, plus la profondeur de champ est importante. A l'inverse, pour une prise de vue rapprochée, la profondeur de champ est réduite voire insuffisante.

Voici une approche simple pour comprendre la profondeur de champ:
* La profondeur de champs est la zone qui sera nette sur vos photos par rapport au point sur lequel vous aller définir la netteté. Cette zone va varier en fonction du diaphragme que vous allez utiliser.
* Un diaphragme de 16 ou 22 va vous donner une grande profondeur de champs, autrement dit une grande partie de votre image va être nette.
* Au contraire une ouverture plus grande de l'ordre de 3,5 ou 2,8 va délimiter une zone de netteté très courte et concentrée de part et d'autre de votre mise au point initiale.

Exemple
* F / 2,8 (seulement la zone autour du point focal sera nette)
* F / 4
* F / 5.6
* F / 8
* F / 11
* F / 16
* F / 22
* F / 32 (toute la scène sera nette)

Notez que certains objectifs ont des ouvertures plus grandes ou plus petites.
La profondeur de champs varie aussi suivant la focale de l'objectif, pour résumer plus l'objectif est grand angle et plus il aura une profondeur de champs importante.
A l'inverse un téléobjectif aura une profondeur de champ plus réduite.

Pour la photographie de paysages, il est logique que vous souhaitiez utiliser une plus grande profondeur de champ.
Pourquoi ne pas toujours utiliser f/22 pour la photographie de paysages? Il n'y a pas de bonne ou de mauvaise réponse ici - la photographie est un processus créatif et vous avez la liberté de prendre des photos avec le résultat que vous souhaitez.
Pour moi, j'ai trouvé par expérience que f/11 ou f/16 sont les meilleures diaphragmes pour faire du paysage. C'est aussi dans cette plage que les optiques sont les meilleures.

Bien sûr le fait de choisir une ouverture influence directement la vitesse de votre obturateur...
Il est temps de passer au conseil n°2.



2. Utilisez un trépied.
Je sais... c'est la barbe à trimbaler et je dois me faire parfois violence pour l'emporter. Mais il faut que j'insiste!
Même par grand soleil il peut améliorer la qualité de vos images.
Il est nécessaire que votre appareil reste aussi immobile que possible. Même avec votre appareil photo sur un trépied, le fait de presser sur le déclencheur peut provoquer une légère vibration qui va enlever de la netteté à votre photo. L'idéal est d'avoir une télécommande si le boîtier le permet.

Sur la plupart des appareils photo reflex numérique, vous pouvez utiliser la fonction de blocage du miroir, pensez aussi à l'utiliser pour éliminer toutes vibrations.
Une dernière pensée sur les trépieds. Choisissez-le robuste avec si possible une rotule équipée de 2 poignées de blocage (horizontale et verticale).
Pour plus de commodité prenez aussi une petite plate-forme que vous laisserez vissée sous votre boîtier et qui vous permettra de rapidement positionner ou enlever votre appareil.
Important aussi, le trépied vous aidera à obtenir une ligne d'horizon parfaitement horizontale.
Rien de plus désagréable qu'un horizon qui penche.



3. Composition.
Comme avec la profondeur de champ, il n'y a pas de bonne ou de mauvaise composition. Le but est d'atteindre l'aspect créatif que vous recherchez. Oubliez la règle des 2/3 - 1/3
Bousculer les règles et les habitudes!

Toutefois, j'ai personnellement quelques lignes directrices dans mes compositions:
* Si possible, un premier plan qui est intéressant et permet de raconter l'histoire.
* Dans la plupart des cas, lorsque l'horizon est présent dans l'image d'un paysage, je vais privilégier le sol ou le ciel (en général le ciel car j'adore les nuages). Je trouve que le résultat est plus spectaculaire, mais tout dépend de la scène.
* Certaines de mes photos de paysage préférées sont celles qui permettent à l'œil de suivre un chemin, comme une clôture, un ruisseau, ou une route qui promène le regard d'une zone de la photo à une autre.
* Changer le point de vue que vous utilisez pour prendre une photo peut souvent faire la différence dans la composition de l'image. Regardez autour de vous et n'hésitez pas à changer de place pour mettre en valeur votre propre vision.



4. Planification et patience.
Préparez votre sortie photo, faites un plan. Voici quelques idées à considérer lors de la planification:
* Vérifiez la météo. Les journées très ensoleillées ne sont pas forcément les meilleures! Je préfère un ciel nuageux qui va accentuer le côté dramatique d'une photo, notamment ces gros nuages de coton qui vont donner du contraste et de la vie à vos images.
* Lever et coucher du soleil: Il ne fait aucun doute que la lumière produite lorsque le soleil est bas sur l'horizon est chaud et sale. Sale? Oui. Ce que je veux dire, c'est que lorsque le soleil est bas sur l'horizon, la lumière voyage plus à travers l'atmosphère et a plus de chance de rencontrer des poussières et autres particules dans l'air, ce qui crée des effets de couleurs. Une fois encore les nuages sont les bienvenus.
* La patience est un must. Ne vous laisser pas surprendre, le "bon" éclairage peut ne durer que quelques minutes, voir quelques secondes!
* Évitez les heures où le soleil est à la verticale (entre 11h et 16h suivant les saisons...) la lumière est plate sans ombre et sans vie.



5. La sensibilité (ISO)
Juste un mot: Paramétrez la sensibilité la plus basse possible, 100 ISO est l'idéal.
Le capteur numérique génère très facilement du "bruit" dans l'image, vérifiez votre photo sur écran à 100% en particulier dans les bleus du ciel pour vous en convaincre...
Il existe plusieurs logiciels ou "plug-in" pour y remédier, mais c'est toujours au détriment de la qualité de l'image.



6. Les objectifs.
Tout est possible... personnellement je fais 80% de mes paysages avec un zoom grand angle de chez Sigma:
10/20 mm
Bon rapport qualité prix, le rendu est très honorable et la déformation (légère) dans les coins de l'image est tout à fait acceptable et peut être corriger avec Photoshop ou Capture NX.
Un bon téléobjectif est un complément intéressant pour aller chercher des détails dans un paysage. A propos de détails, je ne sors jamais sans mon 105mm macro Nikkor VR.
Un champignon, une fleur, un insecte... la nature est tellement riche.



7. L'enregistrement des fichiers.
RAW, TIFF, JPG vous avez le choix.
J'utilise le RAW seulement quand les conditions d'éclairage sont extrêmes en particulier quand la lumière est faible.
Le TIFF est très bien mais "lourd", pour ma part le JPG avec un minimum de compression et une qualité réglée sur 12 est parfait.
Enfin vérifiez la résolution de vos images, elle doit être à 300 DPI (Dot Per Inch) c'est le standard pour l'impression.
Enfin n'oubliez pas de faire des sauvegardes régulières! Pour ma part et suite à de mauvaises expériences j'en suis arrivé à faire des sauvegardes de la sauvegarde... on est jamais assez prudent!



8. Le flash.
On pense trop rarement à l'utiliser en extérieur, pourtant il a son importance en particulier pour "déboucher" un premier plan ou pour les contre-jour.
Il doit trouver sa place dans votre sac.



9. Les filtres.
Une fois que vous maîtrisez les bases, il existe quelques trucs et astuces que j'aime utiliser pour améliorer mes photos de paysage.
Il est vraiment incroyable de voir comment une scène de paysage peut devenir dramatique en cas de faible luminosité (ou avec l'utilisation d'un filtre). Cela est plus efficace avec de l'eau ou des nuages. Le mouvement de l'eau, capturé au cours d'une exposition plus longue, devient soyeux, et les nuages deviennent fantomatiques.

Filtres:
* Densité neutre (ND) ces filtres vous permettront de réduire la quantité de lumière qui pénètre dans l'objectif de votre appareil photo sans perte de couleur ou de netteté de la scène. Imaginez ces filtre ND comme des lunettes de soleil pour votre appareil photo.

* Ces filtres sont disponibles dans une grande variété de tailles et de densités. Les plus communs sont: ND2, ND4 et ND8. Plus le chiffre est élevé plus le filtre sera sombre et plus vous pourrez baissez la vitesse d'obturation et ainsi obtenir un effet "filé" en particulier sur l'eau.

* Polarisant : Un filtre important dans la photographie de paysage. Il vous permettra de renforcer les contrastes, en particulier les bleus du ciel. Bien sûr il enlèvera ou accentuera les reflets sur l'eau ou sur des vitrines ou encore sur des capots de voiture...
Vous améliorerez la saturation des couleurs de manière globale.
Choisissez impérativement un filtre polarisant "circulaire" pour les appareils équipés d'un capteur numérique. Vous obtiendrez les meilleures résultats avec un angle de 45 - 90 degrés par rapport au soleil.
Si vous avez seulement un filtre dans votre sac, que ce soit un polarisant, vous ne le regretterez pas!

* Intéressant aussi les filtres dégradés, mais je déteste le principe de montage sur l'objectif et préfère "opérer" avec Photoshop.



10. Faites des erreurs!
C'est en analysant ses erreurs que l'on progresse. Montrez vos photos à de vrais amis qui vous apporteront des critiques sincères qui vous permettront d'évoluer.

Enfin je ne peux pas terminer ce chapitre sans vous parler de "Flickr". Une communauté de passionnés d'images comme il en existe beaucoup sur internet, mais Flickr reste la plus fantastique source d'inspiration que je connaisse.
Vous y trouverez de véritables artistes dans tous les domaines et de tous les pays.
Téléchargez régulièrement les plus belles images, regardez-les, mais regardez-les vraiment... vous apprendrez beaucoup!

Pour terminer un dernier conseil, ne sortez plus sans votre appareil photo! Vous ne savez jamais quand vous allez voir quelque chose de merveilleux.

Merci d'être arrivé jusqu'ici... Il est temps d'aller sur le terrain et de faire de la photo!

A bientôt,
Philippe Sainte-Laudy

Prison d'Amour ( Making Of )

Je commence par cette image qui est l'une de mes préférées et qui revient dans l'actualité grâce à une publication et un article dans l'excellent magazine "Computer Arts" du mois de juin. ( N° 123 )

Ma démarche a consisté à effectuer des recherches sur les différentes textures exploitables dans un cliché.
L'idée est de jongler entre photo et peinture et, parfois, laisser le doute s'installer.
Je voulais faire un très gros plan et dissocier ce physalis de son milieu naturel, le rendre presque abstrait et tout axer sur cette petite boule rouge de 1 cm de diamètre, entourée de dentelle.
J'ai voulu créer et traiter cette photo comme un tableau.

Équipé encore il y a 2 ans, de mon Nikon D200 muni d'un objectif Micro Nikkor 105mm f2,8 VR, c'est à plat ventre que le shooting commence... sans parvenir à obtenir un bon résultat.
Trop d'éléments parasites dans le cadre. J'ai fini par cueillir ce physalis, et c'est à la maison, avec un peu plus de confort, que la séance photo s'est poursuivie.
Ici point d'éclairage artificiel, seule la lumière naturelle et un mini-réflecteur tenu à la main pour contrôler les reflets. J'ai choisi un diaphragme très ouvert afin d'avoir très peu de profondeur de champ.

Pour retoucher l'image, deux applications ont été mises à contribution: Photoshop et Aperture.
J'ai commencé par ouvrir l'image avec Aperture pour renforcer le rouge du physalis, augmenter le contraste ainsi que la netteté. Je suis ensuite passé à Photoshop afin d'y créer un premier calque; il y en aura une dizaine en tout, principalement des calques de réglages (niveau, courbe, exposition, vibrance)
J'ai ensuite ouvert un fichier de texture que j'ai copié collé sur le physalis en réglant ce nouveau calque sur "incrustation" avec une opacité de 80%. Pour affiner la texture, deux ou trois calques de réglage ont encore été créés.
Pour terminer j'ai effectué une sélection ronde autour du physalis avec un contour progressif de 50% que j'ai effacé pour supprimer la texture au centre et ainsi laisser la place aux détails.
Cette texture fut délicate à gérer, car il fallait qu'elle soit présente mais qu'elle laisse aussi apparaître les détails de l'image; un travail qui dut être fait dans la finesse.

Le résultat oscille entre nature morte et exercice stylistique.

6/06/09 Création du blog

J'ai choisi de créer ce blog pour permettre un échange suite à votre visite sur: naturephotographie.fr
Soyez les bienvenus et merci d'avance pour vos commentaires.